Benutzer:Doppelklecks/Spätgotik

Die Spätgotik ist eine Phase der europäischen Kunstgeschichte, die zwischen etwa 1370 und einem Großteil des 15. Jahrhunderts anzusiedeln ist, wobei sie in einigen Gebieten bis weit ins 16. Sie ist neben der florentinischen und flämischen Renaissance eine der grundlegenden Bildsprachen, die das 15. Jahrhundert prägten. Sie war ein Phänomen, das vor allem mit den Höfen der Renaissance verbunden war und sich ziemlich gleichmäßig über ganz Europa ausbreitete, begünstigt durch den häufigen Austausch von Kunstgegenständen und Künstlern selbst zwischen Zentren vor allem in Norditalien, Frankreich und Deutschland, der später auf einen Großteil des übrigen Kontinents ausstrahlte.

Die Spätgotik behielt in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts eine dominierende Rolle und eine bedeutende Verbreitung, während die Kunst der Renaissance, die sich seit den 1520er Jahren in Florenz entwickelt hatte, sich in Italien erst in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts durchsetzen konnte und in den anderen europäischen Ländern erst nach kurzer Zeit aufgenommen wurde. In dieser Zeit ist die figurative Kunst mehr denn je kein Spiegelbild historischer oder sozialer Phänomene, sondern spielt die Rolle eines fantastischen Ausgleichs durch die Evokation einer perfekten, aristokratischen Welt. Zu den bekanntesten Künstlern der Spätgotik gehören Pisanello und Gentile da Fabriano in Italien, Claus Sluter und die Brüder Van Limburg in Frankreich, Stephan Lochner in Deutschland und andere.

Historischer Kontext

Die Gesellschaft an der Wende zum 14. und in den ersten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts war ein heterogener und vielschichtiger Komplex, der von einem fortschreitenden wirtschaftlichen Zusammenbruch und dem allmählichen Niedergang der großen mittelalterlichen Mächte, des Papsttums und des Reichs, geplagt wurde. Selbst prestigeträchtige Institutionen wie das Rittertum und der Feudalismus, die zwar noch als Lebens- und Verhaltensmodelle dienten, hatten ihre aktive Rolle längst verloren. Zu den Auswirkungen des allgemeinen Unwohlseins gehörten die Aufstände der Bauern und Lohnarbeiter (der Ciompi in Florenz, der Lollardi, der flämischen Weber), die blutig niedergeschlagen wurden. Inmitten der Unruhen und der Orientierungslosigkeit gab es jedoch auch Anzeichen für einen Aufschwung, wie den allmählichen wirtschaftlichen Aufschwung dank des Bürgertums, das allmählich ein immer größeres kulturelles Gewicht erlangte. In kultureller Hinsicht führten die Kritik an der scholastischen Philosophie durch William von Occam und die weitere Verbreitung des Averroismus allmählich zu einer neuen Haltung gegenüber der Wirklichkeit und dem Wissen, in der die Rolle der Kirche zugunsten einer intimeren und direkteren Beziehung zu Gott zurückgedrängt wurde. Die Loslösung vom theologischen Bereich bedeutete auch die Wiederentdeckung eines praktischen Ansatzes für Wissen und Erkenntnis. Diese Phänomene wirkten sich auf die künstlerische Produktion aus, indem sie einerseits einen phantastischen und idealen Ausgleich zur realen Welt boten, der sich an den Modellen der alten höfischen Welt orientierte, und indem sie andererseits präzise Darstellungen der Natur vorschlugen, um das empirische Interesse an ihren vielfältigen Erscheinungsformen zu befriedigen. Die makabren und blutigen Darstellungen verfolgten den Zweck, die tiefsten Ängste vor Tod und Leid zu vertreiben.

Terminologie

Diese Epoche wird auch mit anderen gleichwertigen Begriffen bezeichnet, die einige ihrer Merkmale hervorheben:

Der Begriff "Spätgotik" betont den chronologischen Aspekt, indem er diesen Stil in die Kontinuität mit der Gotik und als deren Epilog stellt, und impliziert in diesem Sinne auch eine "herbstliche" Bedeutung, als letztes Kapitel der mittelalterlichen Welt; in Italien bezeichnet die Spätgotik die Kunst der ersten Jahrzehnte des 15. Jahrhunderts, während die entsprechende "Spätgotik" im deutschen Raum die extremen Ausprägungen dieses Stils an der Schwelle zum 16.

Internationale" Gotik

Die "internationale" Gotik unterstreicht die weite Verbreitung dieser Stilphase in vielen Ländern Europas dank eines bedeutenden Dialogs und einer weiten Verbreitung von Artefakten, die durch die Vorliebe für kleine oder leicht zu transportierende Objekte begünstigt wurden (illuminierte Handschriften, Elfenbeine, Goldschmiedearbeiten, tragbare Altarbilder, Wandteppiche); die Verbreitung erfolgte über die unterschiedlichsten Kanäle: vom Handel bis zu Hochzeits- oder Verlobungsgeschenken, von Geschenken für die Diplomatie bis zu den Reisen der reisenden Künstler. Die mit Skizzen gefüllten Notizbücher der Künstler wurden dann in den Werkstätten als Vorlagen verwendet und kopiert, wodurch das ikonographische und stilistische Repertoire aktualisiert wurde. Wahrscheinlich ist der Begriff "internationale Gotik" derjenige, der diese Periode am besten beschreibt und der am häufigsten für den italienischen Kontext verwendet wird[1]; es gibt zum Beispiel Gemälde, die den Historikern ein echtes Rätsel aufgeben, weil die Gemeinsamkeiten der stilistischen Merkmale in so großen geografischen Gebieten dazu führen können, dass sie von Zeit zu Zeit französischen, italienischen oder englischen Künstlern zugeschrieben werden (wie beim berühmten Wilton-Diptychon).

Die Transnationalität war nicht auf die Ausstrahlung eines Zentrums zurückzuführen, wie dies beispielsweise bei der französischen Gotik der Fall war, sondern auf einen gegenseitigen Austausch zwischen mehreren Zentren, von denen keines eine Vorrangstellung beanspruchen kann. Die aktivsten Gebiete waren jedoch zunächst Avignon und der päpstliche Hof, dann Katalonien, Burgund, die Lombardei und Böhmen[2].

Höfische Gotik

Pisanello, Sankt Georg und die Prinzessin, Kirche Santa Anastasia, Verona Höfische" Gotik ist ein Begriff, der die Verbreitung dieser Kunst innerhalb des sozialen Milieus unterstreicht, das ihren Erfolg bestimmte: ein Zeichen der Distinktion der Aristokratie gegenüber dem aufstrebenden Bürgertum, das sich durch makellose formale Perfektion auszeichnete; die Höfe, allen voran der päpstliche Hof, übten daher zunächst eine Rolle der Anziehung von Künstlern und dann der Verschmelzung und Verbreitung des Stils aus; jeder Hof beschäftigte eine bestimmte Anzahl von Künstlern, von denen jeder auf bestimmte Disziplinen spezialisiert war (Literatur, Musik, figurative Kunst); die Schaffung von dauerhaften Kunstwerken (Porträts, Altarbilder, illuminierte Handschriften etc. ), wechselten sich mit einer ganzen Reihe von Tätigkeiten für ephemere Werke ab, wie die Ausrichtung von Festen und Turnieren, die Herstellung von Fahnen und Ziertüchern, Kleidern, Kostümen, Schilden, Rüstungen, Spielkarten und verschiedenen Gegenständen. Darüber hinaus wurden die Künstler aufgefordert, prächtige Geschenke für andere Höfe anzufertigen, um Bewunderung und Neid zu wecken. Das breite Spektrum an technischen Kenntnissen, das von einem Künstler dieser Zeit verlangt wurde, machte Teamarbeit und die Organisation von Mehrzweckwerkstätten erforderlich, in denen jeder Wunsch erfüllt werden konnte.

Flamboyante Gotik

Flamboyant"-Gotik (oder "flamboyante" Gotik) ist ein Begriff, der den gewundenen Verlauf der Linien der Architektur betont, bei dem die Ausbrüche flackernden Flammen ähneln und die strukturellen Komplexe aus Rippen und Spitzbögen dünner und akzentuierter werden. Die nicht tragenden Mauerwerkskonstruktionen werden nicht nur durch Verglasungen ersetzt, sondern mit stark gearbeiteten Maßwerken ausgefüllt. An den Dächern, Scheiteln und oberen Ecken der Fassaden werden extrem dünne und übertrieben stark gearbeitete Zwickel angebracht, die die Höhe der Bauwerke noch größer erscheinen lassen. In Italien wird diese Kunst in viel milderer Form aufgegriffen (mit Ausnahme des Mailänder Doms und einiger anderer seltener Bauwerke).

Weicher Stil

Der "Stile dolce" (französisch "style adouci" oder deutsch "weicher Stil") schließlich hebt die Vorliebe für eine äußerst raffinierte und zarte Malerei mit weichen Nuancen und modulierter Zeichnung hervor, die sich vor allem in Köln, Böhmen und in der Lombardei mit Autoren wie Michelino da Besozzo verbreitete.

Merkmale

Meister Francke, St. Barbara-Polyptychon (Tafel), 1415, Nationalmuseum von Finnland, Helsinki Die Spätgotik zeichnet sich durch bestimmte Faktoren aus, die den verschiedenen Erscheinungsformen dieses Stils gemeinsam sind:

• Die Liebe zum Luxus, die Kostbarkeit der Gegenstände und die formale Eleganz der künstlerischen Darstellung; die Verwendung von Gold, kostbaren Materialien (wie im Meisterwerk des Exvoto Karls VI.), leuchtenden Farben und Emails war daher weit verbreitet.
• Die Verherrlichung der weiblichen Figur aus höfischer und etymologischer Sicht der Renaissance, wie sie der berühmte Maler Jan Van Eyck, der größte Vertreter dieser kulturell-künstlerischen Bewegung, in seinen Gemälden zeigt.
• Profanisierung der Heiligenfiguren, entweder in einem aristokratischen Sinne, mit Heiligen, die entweder als reich gekleidete Adlige dargestellt werden (Retabel der Heiligen Ursula, Martin und Antonius von Gonzalo Pérez), oder in einem populistischen Sinne, mit einer alltäglichen Interpretation der heiligen Texte (Zweifel von Joseph von Straßburg). Außerdem verbreiteten sich in dieser Zeit profane Themen aus der höfischen Welt, den Ritterromanen und dem Alltagsleben, vielleicht als Beilage zu den heiligen Bildern.
• Man legte großen Wert auf den minutiösen Realismus der Darstellungen: Jeder Gegenstand wurde bis ins kleinste Detail nachgebildet, selbst die Epidermis. Die Gegenstände wurden oft wie in einem Katalog nebeneinander dargestellt, wobei die kohärente räumliche Anordnung und die naturalistische Komposition vernachlässigt wurden (wie bei der Jagd in Pisanellos Vision des heiligen Eustachius, wo eine große Anzahl von Tieren dokumentiert ist, oder bei der Madonna und den Heiligen im Paradiesgarten des Meisters des Giardinetto, wo es eine akribische botanische und geflügelkundliche Darstellung gibt).
• Neben dieser Form des Realismus gibt es eine deutliche Tendenz zur expressiven Übertreibung, die oft zu einem grotesken, brutalen Stil führt, mit häufigem Rückgriff auf makabre oder grausame Elemente, vor allem in sakralen Szenen: gnadenlose Darstellung von Leichen (Grabdenkmal für Kardinal La Grange in Avignon), ausgeprägte Verwendung von Blut in Märtyrerszenen (wie in Ecce Homo von Meister Francke oder die Stigmata des Heiligen Franziskus vom Meister der Beweinung Christi von Lindau), usw.
• Zu Realismus und grotesker Verzweiflung gesellte sich oft auch die raffinierteste lyrische Idealisierung, zum Beispiel in den Figuren herrschaftlicher Charaktere von großer formaler Gelassenheit und ohne spezifische psychologische Konnotationen. Diese Antithesen können auch als eine Art aristokratische Selbstgefälligkeit im Vergleich zwischen der glänzenden Welt der Höfe und ihrem bescheidenen und armseligen Gegenteil gelesen werden: zum Beispiel in der Predella der Darstellung im Tempel der Anbetung der Könige von Gentile da Fabriano werden zwei aristokratische Damen am anderen Ende der Szene von zwei armseligen, in Lumpen gekleideten Bettlern kontrapunktiert.
• Sekundäres Augenmerk auf die räumliche Vereinheitlichung (wie in der Renaissance mit der Perspektive), wobei die Elemente in einem Kunstwerk isoliert im Raum erscheinen oder frei platziert werden, mit sogar anti-naturalistischen Dimensionen (wie im Polyptychon der Heiligen Barbara von Meister Francke, wo die Figuren im Vordergrund viel kleiner sind als die im Hintergrund).
• Formale Vorherrschaft der Linie in den Darstellungen, mal weich und gewunden, mal kantig und ausholend, mit intensiven Farben, die den Verlauf betonen, mit Faltenwürfen mit weiten Schritten und komplizierten Arabesken, die so weit gehen, dass sie die menschliche Anatomie aufnehmen (St. Bartholomäus im Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg).
• Die Weltanschauung des "Internationalen Stils" ist stark von den religiösen, politischen und sozialen Auswirkungen des Denkens des heiligen Thomas von Aquin geprägt, der auf der Grundlage des Aristotelismus die Erfahrung der von Gott geschaffenen Natur und die Anpassung der Gesellschaft an die Natur schätzt. Die "sinnliche" Erkenntnis ist nur das Mittel der intellektuellen Erkenntnis, die von den Wirkungen auf die Ursachen und von diesen auf die erste Ursache zurückgeht. Vielfalt der Aspekte und Einheit der sie verbindenden Harmonie: Das Prinzip der spätgotischen Ästhetik ist also Vielfalt in der Einheit. Die Grundlage ist naturalistisch, der Zweck spiritualistisch.[3]

Regionale Ausprägungen

Frankreich

Meister von Boucicaut, Seite aus den Demandes à Charles VI, ca. 1412, Genf, Bibliothek Genf Zu den lebendigsten Zentren am Ende des Jahrhunderts gehörte sicherlich Avignon, das nach der Rückkehr des Papstes nach Rom zu einer unerschöpflichen Quelle von Modellen wurde. Die künstlerische Produktion kam zwar nicht völlig zum Erliegen, wurde aber weniger reichhaltig und weniger gewagt. Die überlieferten Gemälde sind spärlich, aber es gibt bemerkenswerte Beispiele von Grabplastiken, wie das Grabdenkmal für Kardinal La Grange (1403) in der Kirche St. Martial, das ein Beispiel für die Wiederkehr makabrer Themen ist. In Frankreich konnte sich die künstlerische Produktion dieser Zeit jedoch nicht von politischen Fragen lösen, die mit den dynastischen Ansprüchen der Herzöge von Berry und Burgund verbunden waren. Die Ateliers der Miniaturisten an den verschiedenen französischen Höfen hatten einen großen Einfluss auf die künstlerische Produktion, darunter auch das Atelier in Paris, in dem flämische und italienische Künstler häufig zusammenkamen. Zu den wichtigsten Meistern gehörten der Meister Boucicaut, der eine bessere Farbpalette verwendete und mit neuen "offenen" Raumlösungen experimentierte, und die Brüder Van Limburg, die ursprünglich aus Gelderland stammten und für ihre weitläufigen, märchenhaften Landschaften, ihre raffinierten Farben, Lichteffekte und den sorgfältigen Realismus der kleinsten Details berühmt waren.

Burgund

In Burgund, der vielleicht kosmopolitischsten Region unter Philipp dem Kühnen, entwickelte sich eine Bildhauerkunst, die sich durch monumentale, unbewegliche Figuren auszeichnet, bei denen das einfache Volumen gegenüber den gewundenen Kadenzen der internationalen Gotik überwiegt, die jedoch durch kräftige Hell-Dunkel-Effekte und die akribische Wiedergabe von Details belebt werden. Der Meister dieses Stils war Claus Sluter, der sein Meisterwerk am Brunnen der Propheten (1395) im Kartäuserkloster von Champmol hinterließ: Die mächtigen Figuren (sechs Propheten und sechs Engel) zeichnen sich durch einen neuen grandiosen Realismus und eine bemerkenswerte psychologische Individualisierung aus.

Böhmen

Auferstehung des Meisters des Třeboň-Altars, 1380-1390, Prag, Národní galerie In Böhmen erlebte der Milde Stil zur Zeit Wenzels IV. seinen Höhepunkt. In der Malerei und der Bildhauerei zeichnete er sich durch eine herausragende Aufmerksamkeit für die Linie, die rhythmische Bewegung der Falten in den Draperien und die Idealisierung der Physiognomien aus. In der Malerei war die Verwendung von sanft schattierten Farben, die die Rundungen der Formen zart betonten, typisch. Berühmt ist die Herstellung der so genannten "Belle Madonna" (z. B. die Krumauer Madonna), die von den Vorbildern der französischen Gotik abgeleitet ist, aber einen sehr klaren Teint und einen lächelnden Ausdruck hat. Diese oft aus Holz gefertigten Werke waren auch im gesamten östlichen Alpenraum verbreitet, von Süddeutschland über Österreich bis nach Norditalien. In der Malerei entwickelte sich eine merkwürdige Tendenz zur Groteske, bei der Perspektive und Farben zu Ausdruckszwecken forciert wurden: In der Auferstehung des Meisters des Třeboň-Altars beispielsweise erhebt sich ein ephebischer Christus aus dem Grab, der in ein grelles rotes Gewand gehüllt ist, während schlafende Soldaten in lieblichen Posen erscheinen.

Deutschland

Im Rheingebiet, insbesondere in Köln, entwickelte sich der so genannte "weiche Stil", der im Gegensatz zum dramatischen und expressiven Stil der deutschen Kunst im Allgemeinen bezaubernd und bezaubernd ist. Ein emblematisches Gemälde ist die Madonna mit den Heiligen im Paradiesgarten, gemalt von einem anonymen Meister um 1410. In dieser Darstellung widmet der Maler seine ganze Aufmerksamkeit den kleinsten Details der Pflanzenarten, Musikinstrumente und bunten Vögel. Im hanseatischen Raum war Maestro Francke, in dem wir einige der typischsten Züge der internationalen Gotik erkennen, eine führende Persönlichkeit. Er malte sehr originelle Figuren, sogar mit umgekehrten Proportionen zwischen den Figuren im Vorder- und Hintergrund: man denke an die berühmten Geschichten der Heiligen Barbara, wo in einer Szene die Ritter als Riesen hinter dem Busch erscheinen, während die Bauern im Vordergrund viel kleiner sind. Auch die dramatischeren und grausameren Elemente werden in seiner Kunst stark betont, wie in den Figuren des Christus nach der Passion, abgemagert, vom Schmerz deformiert und mit realistischem Blut, das noch aus seinen Wunden tropft (Cristo dolente), oder in den Martyriumszenen, wie der von Thomas Becket, in der auch die makabersten Details nicht ausgespart werden, wie das reiche Bischofsgewand, das von den Blutströmen aus seinen Wunden befleckt ist. Zu den in Auftrag gegebenen Altarbildern gehören auch jene des Meisters der Katharinenlegende, der um die Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert in Mitteleuropa tätig war.

Italien

Lombardei

Die Lombardei war zweifellos die führende Region der internationalen gotischen Kunst in Italien. Mit Gian Galeazzo Visconti wurde ein politisches Programm zur Einigung Norditaliens zu einer Monarchie auf Augenhöhe mit Frankreich eingeleitet, mit dem ein ständiger kultureller Austausch bestand. In Pavia entstand die renommierteste Schule für Miniaturmalerei der Region, die in ganz Europa für ihren Realismus und ihre feine Dekoration unter dem Namen "Ouvraige de Lombardie" bekannt wurde. Das wichtigste Werk war der Beginn des Mailänder Doms, für den Visconti französische und deutsche Architekten hinzuzog, die das der transalpinen Gotik am nächsten kommende Gebäude in Italien errichteten. Der bedeutendste Künstler dieser Zeit war Michelino da Besozzo, Miniaturist, Maler und Architekt. Im Offiziolo erneuerte Bodmer den Stil des 14. Jahrhunderts zugunsten einer größeren Fluidität mit weichen, kostbaren Farben. Auf die Verflachung des Raums reagierte er mit einem stärkeren rhythmischen Dekorativismus, der zum Beispiel durch die raffinierten Rahmen von Blumen hervorgehoben wird, die mit großer Wahrhaftigkeit auf der Grundlage spezifischer Studien wiedergegeben werden: Die Farbe der Blütenblätter bildet immer einen zarten Kontrapunkt zu den dominierenden Farben der dargestellten Szene. Ein weiterer großer Meister, der bereits auf der Mailänder Dombaustelle tätig war, war Giovannino de' Grassi, der für Gian Galeazzo Visconti ein prächtiges Offiziolo illuminierte, das sich heute in der BNCF befindet und dessen große Seiten mit lebhaften Gemälden bedeckt sind, die weniger scharf konturiert sind, als wären sie von einem weicheren Licht beschattet. Andere Meister hielten sich eher an starke, kontrastreiche Farben, ausdrucksstarke Gesten und unbewegliche, feierliche Figuren, wie in den Miniaturen von Belbello da Pavia.

Venedig

Venedig, Ca' d'Oro, 1420-1440 Zu Beginn des 15. Jahrhunderts setzte in Venedig ein epochaler Wandel ein: Venedig konzentrierte seine Interessen auf das Festland und löste sich allmählich vom byzantinischen Einfluss, um sich aktiver in den westlichen Rahmen einzubringen. In der Malerei, der Bildhauerei und der Architektur kam es zu einer zeitgenössischen Veredelung mit spätgotischen Motiven, die sich gut mit dem byzantinischen Untergrund verbanden. Der Dogenpalast wurde zwischen 1409 und 1414 von externen Künstlern wie Pisanello, Michelino da Besozzo und Gentile da Fabriano mit Fresken bemalt, die heute fast vollständig verloren sind. Architektonisch wurde der Markusdom gekrönt, und 1422 wurde beschlossen, den Dogenpalast auf der Seite des Platzes bis zum Markusdom zu verlängern und dabei den Stil des vorherigen Teils aus dem 14. Auf diese Weise entstand ein venezianischer Stil, der sich von den europäischen Moden jener Zeit abhob. Zu diesem Stil gehören die eleganten Polyphoren mit fein verzierten Bögen des Ca' Foscari, des Palazzo Giustinian und des Ca' d'Oro, dessen Fassade einst ebenfalls mit schillernden Vergoldungen und polychromen Effekten verziert war.

Verona

Stefano da Verona, Anbetung der Könige (1435), Kunstgalerie Brera, Mailand Obwohl Verona seit 1406 Venedig unterstellt war, unterhielt es lange Zeit eine eigene Kunstschule, die der Lombardei näher stand (auch Michelino da Besozzo hatte dort lange Zeit gearbeitet). Wichtig war der Maler Stefano da Verona, Sohn eines französischen Malers (Jean d'Arbois, der bereits in den Diensten von Filippo l'Ardito und Gian Galeazzo Visconti stand). Mit der Anbetung der Heiligen Drei Könige (signiert und datiert 1435) schuf er mit weichen Strichen und geschwungenen Linien eines der besten Werke der internationalen Gotik, wobei er den Details, der Wiedergabe von kostbaren Materialien und Stoffen sowie der Kalibrierung der überfüllten Komposition große Aufmerksamkeit schenkte. Der wichtigste in Verona tätige Künstler war jedoch Pisanello, der Der wichtigste in Verona tätige Künstler war jedoch Pisanello, der die figurative Kunst des Nordens zu ihrem Höhepunkt führte. In der Pellegrini-Kapelle der Kirche Santa Anastasia befindet sich sein spätes, aber bekanntestes Werk, der Heilige Georg mit der Prinzessin, in dem er auf ganz persönliche Art und Weise die Eleganz des Details und die Spannung der Erzählung miteinander verband und einen "idealisierten Realismus" erreichte. Später zog er an andere italienische Höfe (Pavia, Ferrara, Mantua, Rom), wo er sein künstlerisches Schaffen verbreitete, wobei er seinerseits von den dortigen Schulen beeinflusst wurde, insbesondere von der bereits von Petrarca geförderten Wiederentdeckung der Antike, der er sich widmete, indem er zahlreiche römische Reliefs in Zeichnungen kopierte, die uns teilweise überliefert sind. Außergewöhnlich ist auch seine Produktion von Zeichnungen, echten Studien nach dem Leben, die zu den ersten in der Kunstgeschichte gehören, die einen vom fertigen Tafelbild unabhängigen Wert erlangen.

Florenz

Nach der Krise in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts (die sich auch in der Kunst in schematischen, flachen und wenig erfinderischen Werken manifestiert hatte), öffnete sich das künstlerische Panorama des Florenz des 15. Eine außergewöhnliche Synthese der beiden Denkrichtungen bieten die beiden erhaltenen Tafeln des Wettbewerbs für den Bau der Nordtür des Baptisteriums von Florenz, die von Lorenzo Ghiberti bzw. Filippo Brunelleschi in Bronze gegossen wurden und sich heute im Nationalmuseum Bargello befinden. Die Aufgabe bestand darin, ein Isaak-Opfer in einem Viereck darzustellen, wie es bereits von Andrea Pisano in der älteren Tür verwendet wurde, was die beiden Künstler sehr unterschiedlich gelöst haben.

Ghibertis Tafel für den Wettbewerb um das Baptisterium (1401)

Brunelleschis Tafel für den Wettbewerb um das Baptisterium (1401) Ghiberti unterteilte die Szene in zwei vertikale Zonen, die durch einen Felsvorsprung harmonisiert wurden, mit einer ausgewogenen Erzählung, proportionalen Figuren und einer Aktualisierung der gotischen Kadenzen. Er verwendete auch Zitate aus der Antike mit hellenistischem Einschlag im mächtigen Akt des Isaak und traf so eine Auswahl aus den unterschiedlichsten Anregungen, die zu dieser Zeit zur Verfügung standen. Ganz anders das von Brunelleschi geschaffene Relief, das die Szene in zwei horizontale Bänder unterteilt, der Hintergrund ist flach und die Figuren treten gewaltsam hervor. Besonders ausdrucksstark ist der Höhepunkt der Szene, wo senkrechte Linien die starke Szene des scharfen Messers darstellen, das vom Engel aufgehalten wird, der Abrahams Arm fest umklammert: Der Zusammenstoß der drei verschiedenen Willen (Abrahams, Isaaks und des Engels) wird mit einer solchen Ausdruckskraft dargestellt, dass Ghibertis Fliese im Vergleich dazu wie eine ruhige Rezitation wirkt. Dieser Stil entspringt einer Meditation über das Werk von Giovanni Pisano und die antike Kunst, wie auch das gelehrte Zitat des Spinario zeigt. Der Sieg fiel an Ghiberti, ein Zeichen dafür, dass Florenz noch nicht bereit war für den innovativen Klassizismus, der am Anfang der Renaissance stand, gerade in der Skulptur vor der Malerei. In Florenz hinterließ Gentile da Fabriano sein Meisterwerk, die Anbetung der Könige, und das Polyptychon der Quaratesi, wo er vielleicht schon von der Monumentalität Masaccios beeinflusst war. Ein weiterer wichtiger Vertreter der Florentiner Spätgotik war Lorenzo Monaco, ein Kamaldulenser Maler und Miniaturist, der langgestreckte Figuren, die mit breiten Faltenwürfen bedeckt waren, mit raffinierten und unnatürlich leuchtenden Farben malte. Er hielt sich jedoch nicht an die weltliche höfische Kultur, sondern verlieh seinen Werken eine starke Spiritualität, die durch die Loslösung der Figuren von der Realität und durch die kaum angedeuteten aristokratischen Gesten noch verstärkt wurde.

Neapel

Innenraum des Klosters Santa Chiara

Fassade der Kathedrale von Neapel Im Königreich Neapel hatte sich die Gotik bereits im 13. Jahrhundert mit den Normannen etabliert, aber erst mit Friedrich II. von Schwaben setzte sich der Stil in seiner ersten Form, der klassischen Gotik, durch. Der Übergang von der Klassischen Gotik zur Französischen Gotik erfolgte mit den Anjou im späten 13. König Robert von Anjou berief die angesagtesten französischen Künstler der Zeit und ließ die Kirche St. Eligius im vollen gotischen Stil der Zeit errichten, ähnlich der Saint-Chapelle. Die Kirche ist abwechselnd aus weißem und gelbem Tuffstein gebaut, und die Fenster sind reich verziert. Bis zum 16. Jahrhundert war die Kathedrale mit Fialen geschmückt, die während der spanischen Herrschaft abgerissen wurden. Das Innere ist durch ein klassisches gotisches Kreuzgewölbe gekennzeichnet. Ein weiteres Beispiel für den gotischen Stil ist das Kloster St. Clare, das den Übergang zwischen der klassischen Gotik und dem französischen Stil zeigt. Vom internationalen gotischen Stil ist die Kathedrale von Neapel (ein Kompromiss zwischen der französischen internationalen Gotik und der typischeren italienischen Flamboyant-Gotik), deren Geschichte ebenso wie die von Santa Chiara die Umgestaltung des Innenraums und der Fassade im Barockstil während der spanischen Herrschaft sah. Das Äußere wurde jedoch 1875 im Stil des 14. Jahrhunderts restauriert. Beim Kloster Santa Chiara waren es die Bomben, die die Fassade und die Innenräume aus dem siebzehnten Jahrhundert zum Einsturz brachten und den Komplex aus dem vierzehnten Jahrhundert zum Vorschein brachten. Was die zivilen Bauten betrifft, so war das berühmteste Beispiel im Königreich Neapel das Maschio Angioino, das im 14. Jahrhundert im Stil der französischen internationalen Gotik erbaut und von Alfonso I. von Aragon mit runden Türmen aus Lavastein bereichert wurde (ursprünglich erschien das Schloss jedoch weiß), und der Ehrenhof wurde mit Elementen der katalanischen Gotik verändert. Doch auch hier wurden, als die Burg Mitte des 16. Jahrhunderts in ein Gefängnis umgewandelt wurde, die meisten Ornamente entfernt, und der Ehrenhof wurde im 17. Was die Kunst der Miniaturmalerei anbelangt, so erlebte Neapel unter den Anjou eine besondere Blütezeit. Schon unter Robert von Anjou. Aber erst mit Königin Johanna und dann mit Renato von Anjou erreichte die Kunst ihren Höhepunkt. Eines der berühmtesten Beispiele, das unter Renato I. entstand, war das Livre du Coer D'Amour D'Epris, das in den letzten Jahren der Herrschaft des Königs in Neapel begonnen und dann in seinem Ruhestand in Tarrascona fortgesetzt wurde. Ebenfalls im Stil der internationalen Gotik ist die Göttliche Komödie von Alfonso I., die 1442 begonnen und von neapolitanischen und florentinischen Künstlern realisiert wurde.